Kategoria Obrazy

W 1625 r. Rubens stworzył ołówkowy portret kamerzysty. Nie podobały mu się tego typu kobiety. Zwykle w jego obrazach można zobaczyć kobiety, uwydatniające blask ciał. Artysta przedstawił prawie dziewczynę. Ona jest bardzo młoda. To jest prawdziwy kwiat, który jest bardzo delikatny. We wszystkich aspektach odczuwalna jest kątowość dziecka, a po zakończeniu rysunku artysta postanawia stworzyć cały obraz.

Lentulow w swoim czasie był pieszczotliwie nazywany rosyjskim futurystą i pod wieloma względami była to prawda. Jego prace, wykraczające poza zakres obrazów, charakteryzujące się silną dynamiką i problemem niezrozumiałym dla ogółu społeczeństwa, nosiły wszelkie ślady futuryzmu, które należy uznać za należące do tego ruchu.

Roerich jest piosenkarzem gór. Biorąc pod uwagę, że człowiek powinien w nich żyć, uwiecznił ich na obrazach z godną pozazdroszczenia uporem i umiejętnościami, jak gdyby dał im nowe życie na papierze. Szambala, miasto wielkiej prawdy, jest ukryte w górach. Rozcieńczone powietrze jest przydatne do zrozumienia siebie, cienkie szczyty górskie i ich piękno oczyszczają duszę, a życie wśród prawdziwej przyrody, nieoswojonej przez technologię, wzmacnia ciało.

Hals to świetny holenderski artysta, który za życia wciąż był hałaśliwy. Jego przypadek był taki, że geniusz wcale nie docenia swojego geniuszu, lubi spędzać czas w tawernach, zasnąć w nieoczekiwanych miejscach i obudzić się z wiadra z wodą na głowie, ale nie staje się to mniej utalentowane ani mniej szanowane.

Awangardowa artystka Natalya Sergeevna Goncharova, która pracowała na początku XX wieku, w swoich pracach nie ograniczała się do jednego stylu. Interesowała się takimi trendami, jak futuryzm i kubizm. Ale większość jej prac została wykonana w stylu neo-prymitywizmu, inspirowana sztuką ludową, szczególnie popularnymi grafikami, rosyjską ikonografią, a także wizerunkami pogańskich bogów.

Rubens - flamandzki malarz, mistrz baroku - jego obrazy stanowią niemal esencję tego stylu. Jest wesoły, bystry, z wieloma szczegółami, oddają cześć i wychwalają życie, reprezentując niemal policzek w obliczu śmierci. Preferował tematy religijne i mitologiczne, szczególnie odkrywając mity starożytnej Grecji.

Mucha była jednym z najsławniejszych modernistów - czyli tych, którzy wierzyli, że sztuka powinna być niepodzielna i proporcjonalna. Szeroko stosując jej obszary zastosowania - hafty, tkanie koralików, malowanie na tkaninie - moderniści starali się stworzyć najbardziej kompletny i żywy postrzegany przez nich obraz rzeczywistość.

W 1608 roku artysta Caravaggio przebywając w Mesynie poznaje szlachetnego kupca. Bogaty kupiec zamawia mu zdjęcie na dowolny temat. Na płótno malarz wybrał biblijną opowieść o zmartwychwstaniu Łazarza: ciemna jaskinia, kilku mężczyzn, trzyma ciało, które leżało w trumnie cztery dni wcześniej.

Kiprensky szybko namalował ten portret. W tym czasie Żukowski miał właśnie wyjechać do nasłonecznionych Włoch. Naukowcy twierdzą, że to zdjęcie nie zostało ukończone. Klient specjalnie poprosił o nie kończenie lewej ręki. Dokonano tego, aby przekazać inspirację i twórczy impuls.

Botticelli stworzył imponujący obraz, który po prostu robi wrażenie. Przedstawia dramatyczną scenę Zwiastowania. Na podłodze są surowe prostokąty, sprawdzony jest także podział ścian, archanioł właśnie poleciał do Maryi. Czujemy ruch, który nie jest zatrzymany. Ukląkł. Madonna i Archanioł lecą ku sobie.

Widzimy wielkie płótno. Artysta był w stanie przedstawić współczesną chłopską Rosję. Powstaje, jakby z jakiejś cudownej mgły. Po prostu niemożliwe jest uchwycenie całej ziemi, jest ona tak ogromna, artysta patrzy na pola, wzgórza, rzeki i kopce z dużej wysokości, wydaje się, że szybuje z ptakami.

Widzimy artystyczną interpretację mitu. Jowisz pragnął, aby jego syn był nieśmiertelny. Dziecko urodziło mu się ze zwykłej kobiety. Aby dziecko żyło wiecznie, konieczne było przyciśnięcie go do wspaniałej piersi samej bogini Juno. Jej cudowne mleko miało dać nieśmiertelność. Juno był zaskoczony i mimowolnie zatoczył się do tyłu.

Michał Anioł rozpoczął swoją podróż od stworzenia utalentowanych rzeźb. Przed nami jego pierwsza praca, którą umiejętnie wyrzeźbił z marmuru w wieku 16 lat. Już z tego można zrozumieć, że jest to stworzenie prawdziwego mistrza. Rzeźbiarz wprowadza własną formę sztuki. Niesamowita niesamowita plastyczność zdjęć.

Salvador Dali jest najbardziej znanym surrealistycznym artystą, którego wszyscy pamiętają ze swoich topliwych, miękkich zegarków płynących z gałęzi. Jego imię jest wspomniane, gdy zaczynają przypominać ekstrawaganckich ekscentryków lub gdy pojawia się temat o tym, że sztuka współczesna jest dla człowieka niezrozumiała, aw jego latach był prawdziwym fenomenem kulturowym, uniwersalnym faworytem, ​​geniuszem, który raz po raz ocierał nogi o czczącą publiczność.

Tintoretto - rodem z Wenecji, przedstawiciel szkoły późnego renesansu, która jednak jest bardzo uwarunkowana - jego twórczość cechuje określony styl stworzony przez niego przez lata pracy. Charakteryzuje go mistrzowskie dzieło z lekkimi, drobnymi detalami, dopracowane twarze, niezwykle utalentowany Tintoretto pracował bardzo szybko, zwłaszcza jeśli zrobił coś na zamówienie, co czasem czyniło jego obrazy nieostrożnymi.

Obraz powstał między 1509 a 1511 rokiem. Rafael poświęcił mural tematowi poezji, który nigdy nie wyblakł. W samym centrum widzimy słynny Parnas. Apollo gra na flecie. Był otoczony muzami. Każda z nich ma w rękach przedmiot, którym zwykle była przedstawiana. Zgromadzili się tutaj wszyscy pisarze i poeci z różnych epok.

Obraz przedstawia fenomen cudu. Kiedy pierwsi chrześcijanie szerzyli swoją wiarę na całym świecie, często zdarzało się, że poganie nie chcieli ich słuchać. Tak więc jeden z młodych apostołów wpadł w ręce okrutnego króla, który śmiał się z niego i skazał go na ćwiartkę. Kiedy jednak podjęli się wykonania wyroku, okazało się, że ciało młodego człowieka stało się niewrażliwe na siekiery, a kaci uwierzyli w strach.

Na tle ognistych chmur z zachodzącego słońca obserwujemy ruch weterana bitwy pod Trafalgarem - okrętem „Valiant”. Mały, czarny jak węgiel samobieżny statek holuje giganta bojowego nad brzeg Tamizy, gdzie zostanie rozebrany. Panel ten został po raz pierwszy zaprezentowany publiczności w Royal Academy w 1839 roku.

Płótno powstałe w 1634 roku Rembrandt nigdy nie wyraża bezpośredniego protestu. Ale stworzony przez niego ideał człowieka jest całkowicie sprzeczny z ówczesną rzeczywistością: w jego obrazach rozbłyskują prawdziwe pasje. Dramat teatralny zostaje w cudowny sposób zastąpiony wydarzeniami, które faktycznie mają miejsce w życiu.

Jeden z najlepszych obrazów Ermitażu, autoportret Van Dycka, pokazuje nam artystę w twórczej, nieskrępowanej osobie, która robi żywe wrażenie sztuki ucieleśnionej, trochę zbuntowanej, z serii codziennych obrazów, i to dzięki temu szczególnie atrakcyjnemu. Arystokratyczny wygląd podkreśla mistrzowska gra bladości, która blednie skóra z godnością nieodłączną wcieleniem cienkiej natury, wrażliwa, a zatem zmysłowa, emocjonalnie wywyższona, a zatem głęboka.